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Introduzione
Il Pontormo: "Visitazione"
Gli artisti del Manierismo
Vicenza: Villa La Rotonda del Palladio
(1550)
Tintoretto
Tintoretto: "Ritratto di guerriero trentenne"
Tintoretto: "Nascita di S. Giovanni
Battista" (Ermitage, Leningrado)
Paolo Veronese
CULTURA - ARTE - IL MANIERISMO
INTRODUZIONE
Già in artisti come Michelangelo e Raffaello iniziano a comparire, specie nelle
opere più tarde, i primi segni della crisi politica, economica e religiosa che,
nel corso del XVI secolo, farà sentire i suoi drammatici effetti sia in Italia
sia in Europa. La nostra penisola, dopo essere divenuta campo di battaglia tra
gli eserciti francese e imperiale, assiste impotente alla calata su Roma nel
1527 dei lanzichenecchi di Carlo V. La città papale viene saccheggiata con
gravissime conseguenze sia per il patrimonio artistico sia per il prestigio e il
primato della Chiesa cattolica. Quest'ultima vedrà inoltre direttamente
minacciata la sua autorità spirituale dal dilagare del movimento riformistico,
che in Martin Lutero e nelle sue tesi protestanti aveva trovato il più
agguerrito sostenitore della dimensione puramente individuale della ricerca
religiosa.La visione del mondo elaborata dall'uomo rinascimentale ora si
incrina, e i valori da assoluti si trasformano in relativi, perdendo gran parte
della loro credibilità. L'angoscia e il generale disorientamento che ne derivano
si riflettono in quasi tutta la produzione artistica del '500 inoltrato,
compromettendo definitivamente quegli ideali di armonia, equilibrio e serenità,
alla base della precedente concezione classico-umanistica della cultura e
dell'arte.
La denominazione «manierismo» deriva da «maniera», termine che, secondo
Giorgio Vasari (pittore, architetto e critico formatosi alla corte dei Medici
nel XVI sec.) serve a designare lo stile dei maestri. Da una connotazione
sostanzialmente positiva, passò però ad una negativa, individuando un gruppo di
artisti che avevano preferito rivolgersi allo studio e all'imitazione dei grandi
maestri del Rinascimento (Leonardo, Michelangelo e Raffaello), piuttosto che
direttamente alla natura, secondo le convenzioni teoriche del Rinascimento. Solo
il Novecento ha rivalutato questa corrente ed ha utilizzato il concetto per
indicare una precisa tendenza stilistica collocabile storicamente fra il culmine
del Rinascimento e l'arte barocca.
E' possibile riconoscere all'interno della corrente almeno due periodi: il
primo manierismo (1520-40 ca.), con l'attività da un lato di Pontormo, Rosso
Fiorentino e Domenico Beccafumi, dall'altro di Bronzino e Parmigianino; il
secondo manierismo (dopo il 1540), caratterizzato dal ripetersi accademico delle
formule stilistiche e dei contenuti precedenti.
Il Pontormo: "Visitazione"
Le principali caratteristiche del manierismo sono:
a) l'elaborazione di un'arte stilisticamente raffinata e cerebrale, legata ad
una committenza quasi esclusivamente aristocratica;
b) la ricerca di nuovi valori di immagine, ispirati ad un'ardita elaborazione
fantastica, e l'abbandono progressivo delle convenzioni prospettiche e
proporzionali della visione rinascimentale;
c) la deformazione espressiva della figura umana, che viene rappresentata in
pose avvitate e contorte, caratterizzate dall'uso della linea serpentina di
derivazione michelangiolesca.
GLI ARTISTI DEL MANIERISMO
Una delle figure più significative del manierismo è Jacopo Carrucci, detto, dal
luogo di nascita, il Pontormo. Spirito irrequieto (è anche autore di un
tormentato Diario, che ne svela la notevole componente introspettiva), dipinge
con colori innaturali e trasparenti, dai toni freddi, che smaterializzano le
forme, rese simili a vetro soffiato (Deposizione in S. Felicita a Firenze;
Visitazione nella Pieve di Carmignano).Temperamento assai diverso è quello di
Rosso Fiorentino, personaggio irruento e sanguigno, autore della celebre
Deposizione dalla croce: sullo sfondo di un cielo che schiarisce all'orizzonte,
si staglia la rigida geometria della croce attorno alla quale, in una
disposizione aggrovigliata, le forme acquistano rilievi legnosi e sfaccettati.
Appartato nella sua Siena, Domenico Beccafumi predilige toni più dolci e
modulati, e si caratterizza per un uso costante di suggestivi contrasti
chioroscurali (San Michele e Natività della Vergine).
Centrale nella ricerca di Agnolo Allori, detto il Bronzino, è il problema del
ritratto. Egli si distacca dalla partecipata attenzione psicologica del
Rinascimento per tratteggiare fisionomie bloccate ed enigmatiche, atteggiamenti
stereotipi che non lasciano trapelare alcun sentimento (ritratti di Ugolino
Martelli ed Eleonora da Toledo).
Fuori dalla Toscana si svolge l'esperienza pittorica del Parmigianino, nel
quale è ben riconoscibile la cifra stilistica della deformazione del corpo umano
ormai portata all'estremo limite (Madonna dal collo lungo; Sposalizio mistico di
Santa Caterina).
Anche Venezia partecipa alle tensioni manieristiche, grazie soprattutto
all'attività di Tiziano dopo il 1540: al rigoroso disegno prospettico animato da
lampi di luce del Tintoretto si accostano così i colori brillanti e le
prospettive dilatate di Paolo Veronese.
Neppure l'architettura riesce a rimanere estranea al movimento, soprattutto
per la costante fortuna delle formule michelangiolesche.
Un caso a parte è costituito da Andrea Palladio, che mette le sue nitide
geometrie classicheggianti al servizio della classe dirigente veneziana che
stava espandendo il suo potere nell'entroterra. Sorge così la mirabile serie
delle ville lungo il Brenta (da sempre prediletto luogo di villeggiatura), nelle
quali gli elementi delle strutture classiche vengono smontati e ricomposti
secondo le nuove esigenze ambientali e produttive, ed interpretati in senso
fondamentalmente pittorico (si ricordi in particolare la celebre villa Capra,
detta «la Rotonda», o la villa Barbaro a Maser, con gli affreschi di Veronese).
Vicenza: Villa La Rotonda del Palladio (1550)
I numerosi viaggi di artisti manieristi in Europa saranno determinanti per
diffondere lo stile (si pensi ad esempio alla decorazione del castello di
Fontainebleau del Primaticcio) e farne la prima vera esperienza internazionale
dell'età moderna.
TINTORETTO
Jacopo Robusti, detto il Tintoretto, nato a Venezia nel 1518, combina la potenza
del disegno di Michelangelo con la brillantezza dei colori del Tiziano. Il
Miracolo dello schiavo (1548) è opera audacemente innovativa che narra
l'episodio miracoloso attraverso un inquadramento di quinte architettoniche e la
disposizione coreografica di gruppi di figure, che, analogamente alla funzione
del coro, commentano o sottolineano il fatto attraverso una vasta gamma di
espressioni e atteggiamenti. Lo splendore della luce e la vividezza dei colori
giungono a livelli di intensità senza precedenti: e questo grazie alla qualità
tesa e scattante del segno di Tintoretto, all'arditezza delle sue soluzioni
prospetti che e alla concitata velocità del suo procedimento di stesura dei
colori. Nell'Ultima Cena (1547) per San Marcuola la prospettiva è spinta oltre
ogni limite di verosimiglianza: il piano del pavimento è a tal punto inclinato,
da apparire instabile e slittante, mentre le linee dell'architettura si tendono
e si incurvano in scorci forzati a tal segno da respingere la profondità dello
spazio e la corporeità delle figure, per lasciare posto ad un'esclusiva
esaltazione del colore e della luce. Il Ritrovamento del corpo di San Marco
realizza una sintesi tra l'ardita costruzione prospettica (una successione di
archi tesa verso l'infinito) e la folgorante intensità luminosa, che si esprime
nell'alternanza ritmica delle scintillanti linee di luce e degli intervalli
d'ombra, che si susseguono in un crescendo velocissimo. Agli effetti
chiaroscurali si sostituisce dunque la fulminea propagazione della luce, e
all'equilibrio prospettico una tesa direttrice di movimento, scandita da una
ritmata progressione.La prospettiva è dunque forzata al limite estremo perché
possa immedesimarsi con il percorso vorticoso dei raggi luminosi. La pittura di
Tintoretto mira ad imporsi per la forza suggestiva dell'effetto, evidente anche
nella deformazione delle figure, di cui vengono massimamente dilatate le
dimensioni in primo piano e, all'opposto, massimamente rimpicciolite all'ultimo
orizzonte della visione. Quella di Tintoretto è effettivamente un'immagine
fantastica, una visione appunto, che non emana però da una fantasia fine a se
stessa, da un'immaginazione gratuita e inconsistente, bensì ha un profondo
significato religioso che le deriva dall'autenticità del suo impegno morale.
Questa implicita spiritualità si esprime nell'intensità gestuale e nella potente
torsione dei corpi che sembrano quasi evidenziare nel loro sforzo muscolare il
compiersi di un'esperienza ascetica. La tensione deformante delle figure è un
elemento manieristico che Tintoretto deriva dalla grande lezione di
Michelangelo, e che si unisce con grande efficacia alla sua ricerca di una gamma
infinita di effetti di luce, articolata in molte varianti: l'irraggiamento, la
propagazione vorticosa, l'esplosione intensa e violenta come in un fuoco
d'artificio, e molte altre ancora. Gli effetti di luce del Tintoretto
raggiungono la loro piena resa stilistica ed espressiva nei Fatti della Passione
per la Scuola di San Rocco, in cui la luce trasfigura ambienti e paesaggi,
superando nettamente il dato naturalistico, e caricandosi di profonde
implicazioni religiose e morali.
Tintoretto: "Ritratto di guerriero trentenne"
Tintoretto: "Nascita di S. Giovanni Battista" (Ermitage, Leningrado)
PAOLO VERONESE
La pittura di Paolo Veronese si identifica profondamente con l'anima della
società veneziana del tempo, di cui interpreta l'altissima civiltà e la
brillantezza dei costumi e della vita culturale, con la sua patina di luce
intensa e scintillante, i suoi colori chiari e vivaci e le sue figure espanse e
dilatate. L'animazione mondana e l'autentico progressismo che contraddistinguono
la società veneta si esprimono con pienezza nella sua decorazione delle ville
palladiane, improntate a una lucida visione della natura, intesa come ambiente
dominato e controllato dall'uomo, territorio integrato sia dal punto di vista
architettonico sia da quello della razionalizzazione agricola al vivo tessuto
dell'insediamento umano. Veronese concepisce infatti la decorazione non in senso
puramente ornamentale, bensì come vero e proprio completamento dell'immagine
architettonica dell'edificio e istituzione di un collegamento con lo spazio
esterno, con l'ariosa vastità della campagna aperta. La pittura ha infatti la
funzione di sfondare i limiti architettonici, cancellando la superficie delle
pareti ed aprendo, attraverso la ripresa dal basso e i colori puri, una
spazialità abbagliante e fantasiosa popolata di figure dalle vesti ricchissime e
fastose e dalle pose enfatiche e teatrali. Questi personaggi hanno un fascino
quasi mitologico, con la loro statura poderosa, e i gesti solenni e
coreografici, sia pure alleggeriti dall'evidente dilatazione delle proporzioni
che suggerisce un'impressione di vaporosità e sospensione nell'atmosfera.
Infatti lo scorcio dal basso prediletto da Veronese appiattisce ed espande
massimamente i contorni delle figure, spingendole quasi verso lo sguardo dello
spettatore.Da queste superfici i personaggi raffigurati sembrano quasi
affacciarsi, sullo sfondo di colossali architetture dal nitido disegno
decorativo e dall'accentuata tornitura plastica.
In Veronese la luce sembra quasi sovrapporsi al colore, dandosi come una
velatura scintillante, uno strato brillante che ne esalta il chiarore e la
vividezza; persino le ombre hanno una lieve coloritura e le figure si
ingigantiscono per consentire la massima espansione delle zone colorate, mai
però risolte in stesure omogenee, bensì movimentate da pieghe e arricciature che
consentono una variata modulazione luminosa. L'effetto di luce in Veronese viene
infatti accentuato dalla frequenza dal passaggio da una tinta all'altra.
Questi esiti sono evidenti negli Affreschi della Villa Maser, mentre nelle
figurazioni per la Libreria Marciana, per la Sala del Consiglio dei Dieci, per
quella dei Tre Capi e per la Sala del Collegio, prevale la chiave allegorica,
che traspone le immagini su un piano di assoluta lucidità intellettuale.
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Dizionario di matematica iniziale:
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